La semana en el teatro: El motivo y la señal; Una habitación para vivir en tiempos de extinción; Julio y Jim; Supernova – la revisión | Teatro
El Hamlet de mayor duración en la historia de Broadway se representó en 1964. Richard Burton fue el príncipe; John Gielgud lo dirigió; Elizabeth Taylor, recién casada con Burton, estaba sensual detrás de escena. Los ensayos no fueron fluidos.
Al encontrar relatos de primera mano de estos ensayos, en cartas y cintas hechas por dos miembros del elenco, el director Sam Mendes vio un potencial dramático: una confrontación de estilos de actuación tradicionales y modernos; un contraste entre el estrellato en ascenso y el plomo que se desvanece; una forma de capturar el pulso cambiante de una producción, celebrando el teatro en vivo, al igual que su película llena de luz de Margate, Empire of Light, celebró el cine. Se acercó a Jack Thorne, de Harry Potter y el niño maldito y Let the Right One In, para escribir una obra de teatro.
The Motive and the Cue está cargado de estas inquietudes así como de otras preguntas que pueden acompañar la discusión de una producción de Hamlet: ¿Cómo está tu padre? ¿Qué tan embrujado estás? ¿Puedes decidir si la obra se trata de tomar una decisión? Cargado, pero sin impulsar realmente la acción: demasiadas nociones interesantes o cuestionables – “Teatro es pensar”, dice Gielgud, pero ¿lo es realmente? – se afirman sin rodeos en lugar de cuestionarse. El diseño de Es Devlin, desde la sala de ensayo industrial hasta la suite Burton-Taylor en tonos de tulipán, es impresionante, al igual que el vestuario de Katrina Lindsay: Taylor tiene un negligé de color melocotón particularmente descuidado, mientras que Burton arde con un jersey negro (Gielgud puso al elenco en un estilo moderno cotidiano). vestido).
Mark Gatiss, “una maravilla melodiosa” como John Gielgud. Fotografía: Mark Douet
El cine y el teatro se entrelazan hábilmente, como en la carrera de Burton, con escenas separadas por el abrir y cerrar de una pantalla como el obturador de una cámara, y citas de Hamlet (el título es uno de ellos) aparecen entre los episodios. Los discursos de Shakespeare (principalmente Hamlet, aunque Julieta también incursiona en él) se intercalan entre los ensayos: a menudo son finamente pronunciados, en particular por Janie Dee como Gertrude, pero rara vez se integran de manera reveladora en la acción. El efecto no es tanto la urgencia y el desarrollo como una serie de cuadros llamativos.
Sin embargo, hay otro centro de vitalidad: actuar. Aunque a la Taylor de Tuppence Middleton le falta el ronroneo (una línea sobre ser «un vulgar» sería mejor pronunciada como una mentira astuta), el Burton de Johnny Flynn tiene un borde afilado, especialmente cuando debe aparecer en ropa interior blanca: cuando finalmente deja de gritar sus soliloquios. , te hace querer más. Y Mark Gatiss como Gielgud es una maravilla melodiosa. Tomado en silueta, balanceándose ligeramente hacia atrás, podría parecer el hombre mismo. Thorne respaldó ligeramente la inteligencia mercurial del actor (su don para la expresión era en realidad una pieza con sus famosas meteduras de pata), pero el encanto, el patetismo y el repentino ingenio se capturan finamente. Con una mirada de soslayo al estilo de Laurence Olivier, le dijo a un sonriente Burton: «Gritas maravillosamente».
Podría haber alimentado el espectáculo con el vapor que me salía de las orejas, exasperado en proporción a la nobleza del esfuerzo
El objetivo es inspirador; la ejecución es ingeniosa; A Play for the Living in a Time of Extinction en sí mismo es deprimente. La producción de Katie Mitchell no solo habla de la crisis climática, sino que la aborda y se propone cambiar la forma de hacer teatro actuando de una manera totalmente diferente. La obra, con guión de desastre ambiental de Miranda Rose Hall, estará de gira; las personas que lo hacen no cederán. Cada ubicación tendrá un narrador diferente y un coro diferente para proporcionar un coro final.
Básicamente, la luz y el sonido en el escenario son proporcionados por el pedaleo de los ciclistas locales. Proporciona un momento inolvidable al comienzo de la noche cuando, antes de lanzarse a su descripción del apocalipsis ahora, Lydia West (de It’s a Sin) declara: «Ahora nos desconectamos». Por un momento, el teatro se sumerge en la oscuridad, luego, mientras números digitales verdes aparecen en la parte posterior del escenario, marcando la energía generada, figuras en lycra negra, apoyadas en sus manubrios, nos dan vida.
Una habitación para vivir en tiempos de extinción. Fotografía: Helen Murray
Este momento vale el resto del espectáculo. Presentado con demasiado entusiasmo por West, el guión de Hall está empapado de benevolencia, apático por el asombro. Une conférence de base sur l’histoire de la création et de l’extinction – dinosaures, astéroïdes, tsunamis – est illustrée par des diapositives d’espèces menacées (oh mon Dieu, même l’hermine blanche) et ponctuée d’interactions embarrassantes avec el público. Incluso si está abierto a la vergüenza ecológica, es posible que no desee que lo traten como a un bebé, que le pidan que comparta sus recuerdos de un árbol que amaba o que agite los brazos en el aire mientras finge ser una rama. . Nadie, seguramente, quiere que se le agradezca por compartir. Podría haber alimentado el espectáculo con el vapor que me salía de las orejas, exasperado en proporción a la nobleza del esfuerzo.
Tan rumiante como sexy, el triángulo amoroso giratorio de Jules y Jim puede parecer hecho para una puesta en escena íntima. No demasiado. Adaptando la novela de Henri-Pierre Roché, en la que se basó la película adorablemente inquietante de Truffaut de 1962, Timberlake Wertenbaker honró hábilmente las filosofías de ambos muchachos, mientras confrontaba audazmente el irritante vacío del objeto de amor de la película: cautivador porque caprichoso.
Alex Mugnaioni, Samuel Collings y Patricia Allison en Jules y Jim. Fotografía: Steve Gregson
La producción de Stella Powell-Jones cuenta con una gran actuación de Patricia Allison como Jeanne Moreau, un hábil acompañamiento de Ravel y un ingenioso diseño de Isabella van Braeckel, que sitúa la acción frente a toques de azul sobre blanco, a la Matisse, y contiene un giro. en forma de columna de vidrio donde la heroína se ve como un artefacto de Damien Hirst. Aún así, la acción parece atrapada; lo que falta no son los grandes movimientos, andar en bicicleta y bucear, sino la cámara en constante movimiento que habla de una corriente eléctrica.
Supernova, el juego de dos manos de Rhiannon Neads, parece un paso en falso, pero va muy lejos emocionalmente. Hay un rayo completamente convincente, completamente absurdo: ella, una astrofísica, está en un traje espacial; él, un tipo desconcertado, se hace pasar por Matt Smith en Doctor Who. Hay un deslizamiento hacia la depresión, muy bien calibrado y nunca indulgente: “¿Se encurten los deprimidos? Hay un deslizamiento hacia la depresión, muy bien calibrado y nunca indulgente: “¿Se encurten los deprimidos?
Sam Swann y Rhiannon Neads en su primera pieza «aguda», Supernova. Fotografía: Jack Sain
Aquellos entrenados en dramas tan estelares como Constelaciones verán cómo la metáfora fluye en la trama, pero el diálogo de Supernova es tan nítido y reflexivo como cualquier cosa que haya escuchado este año. Neads, que también toca, se basa en gran medida en su tiempo como stand-up y tiene un buen baterista en Sam Swann. Jessica Dromgoole, quien dirige, también cuenta con distinguidos años como una de las principales productoras de radio de la BBC. Sus actores se escuchan unos a otros; como resultado, el público no solo los mira sino que los escucha.
Calificaciones de estrellas (de cinco)
El motivo y la señal ★★★
Una habitación para vivir en tiempos de extinción ★★
Julio y Jim ★★★
Supernova ★★★★
