Medias, estilo, surrealismo! Cómo Man Ray cambió la industria de la moda | Arte

La primera sesión de moda de Man Ray fue un desastre. Era 1922 y la artista acababa de llegar a París procedente de Nueva York con una maleta, 100 dólares y el único objetivo de convertirse en una de las doncellas brillantes del dadaísmo junto a Duchamp y André Breton.

Lleva algunos años fotografiando, pero sobre todo retratos (Jean Cocteau fue uno de los primeros parisinos), y no siempre con entusiasmo. Más tarde dijo que «la fotografía no es arte» y que solo fotografiaría cosas que no podía pintar. Sin embargo, no tenía dinero, así que cuando Paul Poiret, el diseñador de moda francés que sacaba a las mujeres de los corsés y les ponía pantalones harén, le encargó que lo hiciera, estuvo de acuerdo. En ese momento, las ilustraciones eran la opción preferida de las casas de moda, pero Poiret estaba buscando algo un poco diferente, que era Man Ray. Excepto que el estadounidense llegó al show sin saber lo que estaba haciendo. Las luces no eran buenas y se cortó la electricidad en el set. A Poiret no le gustaron las fotos y se negó a pagar.

Estas fotografías, entre las primeras obras descritas como “terriblemente banales” por el crítico francés Alain Sayag, nunca vieron la luz del día. Pero se convirtieron en el momento damasquino de Man Ray. Según Romy Cockx, curadora de una nueva exposición en MoMu Antwerp, que examina cómo la moda influyó en el trabajo de Man Ray y cómo él, a su vez, influyó en la industria, «su deseo de ser aceptado como pintor significó que rechazó su trabajo como un fotógrafo de moda y la fotografía en general. Sin embargo, estaba feliz con estas tomas, feliz con lo que había creado».

Izquierda: Olivier Theyskens, primavera-verano 1999, © MoMu, foto: Julien Claessens & Thomas Deschamps. Derecha: Man Ray, La Chevelure, 1927, colección privada, cortesía de Fondazione Marconi, Milán. Fotografía: (c) Man Ray 2015 Trust, Sabam Bélgica 2023

Luego, Man Ray produjo retratos de la alta sociedad parisina y fotografió para revistas de moda y varias marcas de cosméticos, mientras jugaba con diferentes métodos fotográficos como la solarización (exponer una fotografía parcialmente revelada a la luz para crear un contorno oscuro) y las exposiciones dobles. Había, al parecer, dos Man Rays. Uno, el surrealista de renombre mundial que convirtió objetos mundanos en obras de arte, y el otro, un prolífico fotógrafo de moda que aparcó su malestar con la industria para crear una obra que, al final, supuso más que todas sus no establecidas. trabajo de moda También le compró una bonita casa en Hollywood. Sin uno, al parecer, no tendríamos el otro.

El show de MoMu es efímero, en gran parte porque simplemente no puedes exhibir un vestido de 110 años por mucho tiempo. Basado en versiones celebradas en Marsella y Luxemburgo que tuvieron lugar durante y alrededor de la pandemia de Covid, pretende, en general con éxito, reconstruir la carrera de Man Ray en las décadas de 1920 y 1930 utilizando más de 200 fotografías, al tiempo que contextualiza su trabajo en el pasado. y lo contemporáneo. moda de Chanel, Lanvin, Loewe y Martin Margiela.

El espectáculo se abre en perchas. Un single cuyo hilo fue doblado en un par de tetas de los 90 por la diseñadora belga Margiela, y un ensamblaje de 63 en madera de 1920 llamado Obstruction, de Man Ray. Nacido como Emmanuel Radnitzky en Filadelfia en 1890 (cambió su nombre cuando era adolescente), sus padres eran inmigrantes rusos con experiencia en moda. Su madre era costurera y su padre sastre que traía a los clientes a casa para que los probaran. Man Ray nunca citó explícitamente ninguno de los dos como un impacto en su carrera, pero también, «si él era el hijo de un carnicero, lo más probable es que fueran los cuchillos que colgaban del techo», dice Cockx.

De las 200 fotografías, la mayoría son de sus amantes, Lee Miller y Kiki de Montparnasse, a quienes la exposición relaciona de manera convincente con los vestidos junto a ellos. Según la experta en moda belga y guía de MoMu, Katleen Derijcke, Margiela (inocentemente) nunca hizo una conexión directa entre su trabajo y el de Man Ray. Es una afirmación intrigante, que recuerda a Tony Benn leyendo a Marx cuando era un hombre de mediana edad y descubriendo que el alemán «ya había llegado a la conclusión a la que llegué sobre el capitalismo» más de un siglo antes que él. La colección Primavera/Verano 1996 de Margiela incluye negativos fotográficos de prendas de vestir; su traje de 2008 está cubierto con un sostén negro trampantojo. Es innegablemente Man Ray.

Peggy Guggenheim (1898-1979), mecenas y coleccionista de arte estadounidense, con un vestido diseñado por Paul Poiret, fotografiado por Man Ray, 1925. Fotografía: Granger/Archivo de imágenes históricas/Alamy

De hecho, es notable cuántos diseñadores han tomado prestado de Coat Stand, el primer desnudo de Man Ray, en 1920. El efecto trampantojo, que Man Ray hizo famoso en su imagen de una mujer detrás de un perchero con medias negras, ha sido reproducido en el tiempo. y nuevamente, como se ve en un vestido Loewe 2022 con un par de globos que cubren el pecho. Cockx también obtuvo un tejido trampantojo de Celine en 2012, casi idéntico al usado en una imagen de Miller de 1930.

Siendo Amberes, el foco en otros lugares está en los diseñadores belgas. Puede que no hayas oído hablar de algunos (Norine y Timmermans) y de otros (Ann Demeulemeester y Dries Van Noten). Parte de los 6 en Amberes, estos estudiantes de moda que se graduaron de la Real Academia de Bellas Artes entre 1978 y 1982 se encuentran entre los diseñadores más populares de su generación. Obtuvieron su nombre porque después de irrumpir en las pasarelas europeas, ningún miembro de la prensa pudo pronunciar su apellido. Margiela es mayor, pero se considera miembro honorario.

El trabajo de moda real de Man Ray se divide entre dos décadas y dos revistas, Vogue y Harper’s Bazaar. En 1924, consiguió un concierto de seis años para el primero, que coincidió con los dobladillos encogidos y las cinturas caídas de esa década. Un cambio de personal en Vogue significó que Man Ray renunciara en 1930 antes de firmar un contrato con la más vanguardista Harper’s Bazaar en 1934. Carmel Snow, su editora, alentó las técnicas del fotógrafo: fue aquí donde se le anima a utilizar la solarización como un estandar.

«No siempre es obvio qué es la fotografía de moda y qué no lo es», dice Cockx, sobre el trabajo de Man Ray. ¿Quién más podría clavar perlas de vidrio en la cara de una mujer (Les Larmes, 1932) y usarlas para vender rímel Cosmecil? Su famosa foto de Peggy Guggenheim con un vestido de Poiret, de espaldas a la cámara y un tímido giro hacia el objetivo, parecía una editorial de moda pero en realidad era un retrato. Otra fotografía muestra a una modelo con un vestido dorado de Madeleine Vionnet recostada en una carretilla acolchada de raso rosa. Parece surrealismo, pero en realidad apareció en Harper’s Bazaar en 1937. En lugar de desviar la atención del vestido, el ángulo de alguna manera lo eleva. “El contraste entre lo glamoroso y lo práctico es tan marcado que puedes ver por qué este tipo de cosas terminaron en las revistas”, dice Cockx.

Quizás lo más intrigante fueron los ángulos (a vista de pájaro o a vista de pájaro) y las poses. Man Ray hizo que sus modelos imitaran maniquíes e incluso introdujo accesorios como los grandes pájaros blancos que encargó al escultor Giacometti como decorados para una sesión de Chanel en 1937. Fue esta interacción comercial entre ganar dinero, hacer arte y burlarse de la moda, lo que lo convirtió en un precursor de Andy Warhol.

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Si la moda actual se trata de vender un estilo de vida completo en lugar de un solo vestido, probablemente podamos atribuirlo a estas técnicas. La mayoría de las veces, la ropa juega un papel secundario a la imagen. Las revistas de moda de hoy en día a menudo están obligadas por contrato a fotografiar looks completos directamente en la pasarela.

Izquierda: Man Ray, Rayographie ‘Kiki’, 1922 © Man Ray 2015 Trust/Adagp, París, 2023, foto: Telimage/Adagp Images. Derecha: Dirk Van Saene, Otoño-Invierno, 2008-09 © MoMu, foto: Hugo Maertens.

Entre 1936 y 1938, el trabajo de Man Ray aparecería en todos los números de Harper’s Bazaar. Aunque se resistía a fotografiar vestidos de Schiaparelli, supo no morder la mano que lo nutrió: «Iba a ganar dinero, sin esperar el reconocimiento que puede o no llegar», escribe en sus memorias, Autorretrato. . .

Sorprendentemente, la mayor parte de la ropa proviene de los archivos: «La ropa realmente no viaja bien, y otros museos harían bien en observar eso», dice el curador jefe de MoMu, Kaat Debo. Sin embargo, es un período delicado para las exposiciones de moda. «Todo el mundo quiere un éxito de taquilla», dice ella. “Pero existe una tensión entre los museos financiados con fondos públicos y privados. En el pasado, hemos visto grandes marcas organizar exposiciones, las cuales han visitado ampliamente en mercados importantes y con presupuestos más grandes. Pero hay un papel diferente y específico que las exposiciones financiadas con fondos públicos pueden y deben desempeñar, que es ser más críticos con la industria: el impacto de la moda en la sociedad y el planeta. . Podemos tratar con la creatividad de la moda pero también con el lado oscuro.

Si bien es poco probable que Man Ray hubiera aprobado tal exhibición, el esnobismo que lo caracterizaba cuando era joven en París debe haber disminuido: hacia el final de su vida, a menudo se lo veía curioseando en las librerías de segunda mano en busca de copias antiguas de Moda. «Económicamente, absolutamente ayudó a su carrera, pero también con la fama, y ​​él lo sabía», dijo Cockx. En blanco y negro, una fotografía surrealista de la amante de Man Ray, Kiki de Montparnasse, junto a una máscara negra, se publicó en Vogue en 1926. En 2017, se vendió por más de $3 millones en Christie’s, París.

“La razón por la que las fotografías de la exhibición son tan pequeñas es que provienen de negativos encontrados en uno de sus últimos estudios”, dice Cockx. «El hecho de que no los destruyó sugiere que le importaban de alguna manera».

Man Ray and Fashion estará en MoMu, Amberes, Bélgica, hasta el 13 de agosto.