Peter Brook: el gran investigador del teatro británico | pedro arroyo

Los dos principales directores de teatro británicos de mediados del siglo XX eran casi contemporáneos y amigos cercanos llamados Peter. Pero mientras Peter Hall jugó un papel decisivo en la creación y gestión de los mejores teatros, primero la Royal Shakespeare Company, luego el National Theatre, Peter Brook se dispuso a huir de ellos. Pasó las últimas cinco décadas de su carrera en su propio teatro en París, donde trabajó en proyectos largos e idiosincrásicos que solo llegarían al Reino Unido como fecha para una gira mundial.

Pero, a pesar de esta larga ausencia, que no le gustaba que se calificara de exilio, el impacto de Brook en el teatro de su país natal fue enorme. Los directores, especialmente de los clásicos, suelen dar lo mejor de sí en los aspectos visuales o verbales de la actuación, pero Brook fue brillante en ambos.

Sus dos principales producciones shakespearianas en Inglaterra colocaron a los oradores con más matices musicales de sus generaciones, Paul Scofield y Alan Howard, en representaciones de King Lear (1962) y A Midsummer Night’s Dream (1970). Las producciones eran cromáticamente opuestas: Tragedy parecía oscura, oscura, oscura (Brook rechazó Technicolor para su versión cinematográfica de 1971) mientras que Comedy, famosamente puesta en escena en un juego de trapecios de circo, era brillante, blanca y luminosa.

Ensayos del Mahabharata en los Bouffes du Nord de París. Fotografía: Julio Donoso/Sygma vía Getty Images

Generaciones de jóvenes directores han aprendido de Brook la capacidad de respetar la poesía ignorando las direcciones escénicas, para crear una experiencia que de alguna manera no tiene nada que ver con Shakespeare. Estos logros se han resumido de manera útil en un libro breve pero estimulante, The Quality of Mercy: Reflections on Shakespeare (2013), que combina característicamente la dramatización práctica con conocimientos literarios y psicológicos.

El efecto duradero de Brook en el teatro fue aún mayor a través de su libro de 1968 The Empty Space, que permanece impreso y muy estudiado. Ofreció un desafío a la moda británica de la posguerra para la construcción de fábricas dramáticas masivas de varias etapas.

Paul Scofield como el Rey Lear en la producción de Brook de 1964. Fotografía: Ullstein Bild/Via Getty Images

En el libro, Brook analiza cuatro tipos de representaciones teatrales que clasifica como «mortales», «santos», «ásperos» e «inmediatos». Death englobaba la mayor parte de lo que se ofrecía en el teatro comercial y las producciones más sofocantes en casas subvencionadas -trabajo hecho convencionalmente para audiencias conservadoras-, mientras que Sainthood representaba el potencial del mejor teatro para alcanzar un cierto nivel de trascendencia para los intérpretes y el público. .

La aspereza favorecía la ausencia, en determinadas circunstancias, de elaboradas preparaciones y complementos; el director se había sentido muy conmovido por una representación teatral improvisada puesta en escena después de la Segunda Guerra Mundial en las ruinas bombardeadas del teatro de la ópera de Hamburgo. Debido a que Brook no siempre logró imprimir la claridad que era su firma en el escenario, la inmediatez era un concepto más elusivo, que involucraba la unión de tradición e innovación, pero se interpretó como otro argumento en contra de estar limitado por un edificio. La preferencia de los directores británicos posteriores, como Michael Grandage y Kenneth Branagh, por las residencias temporales o los lugares efímeros refleja la visión de libertad creativa de Brook.

Bien que Brook ait des locaux réguliers à Paris – les Bouffes du Nord, décrites par Richard Eyre comme « le théâtre le plus sympathique que je connaisse » – il utilise cette base pour des explorations théâtrales sans frontières qu’il espère ensuite faire faire le tour del mundo.

El Mahabharata, en el que Brook trabajó con su frecuente colaborador Jean-Claude Carrière durante al menos una década, se basó en una epopeya sánscrita y buscaba lograr la inteligibilidad universal a través de la imagen y el gesto. El mismo objetivo condujo a La conferencia de los pájaros, basada en un poema persa del siglo XII, y a Tierno Bokar, un biodrama sobre un sufí maliense.

La creencia de Brook de que él no habría sido artística y temperamentalmente apto para presidir gigantes financiados por el gobierno como el Teatro Nacional y el RSC ciertamente se mantuvo en el ámbito de la nueva escritura. El interés de Brook por los dramaturgos vivos de su propia nacionalidad se limitaba más o menos a una producción de Caryl Churchill’s Far Away. Una de sus producciones teatrales posteriores más exitosas fue una adaptación de El hombre que confundió a su mujer con un sombrero de Oliver Sacks e hizo una impresionante versión cinematográfica de la novela de William Golding El señor de las moscas (1963).

Con John Gielgud (izquierda) y Anthony Quail (derecha) durante los ensayos de Measure for Measure en 1950. Fotografía: Popperfoto/Getty Images

Para él, los principales dramaturgos modernos eran el franco-irlandés Samuel Beckett y el francés Antonin Artaud. El “teatro de la crueldad” promovido por Artaud dio forma a dos nuevos escritos en los que Brook trabajó a mediados de la década de 1960: Marat/Sade (1964), del dramaturgo alemán Peter Weiss, y US (1966), un antivietnamita improvisado. juego de protesta Muy controvertidas en ese momento por sus escenas de desnudez y violencia, incluida la quema de una mariposa, estas obras se perciben hoy en día como vergonzosas para su época.

El interés de Brook en las culturas orientales se extendió a las dietas y el ejercicio que lo mantuvieron física y mentalmente vigoroso hasta bien entrados los 90 años. Siguió siendo el gurú de los directores que se quedaron al otro lado del Canal, luchando con los gustos y la financiación de los ingleses. Los diarios publicados de Peter Hall y Richard Eyre, que describen sus años al frente del Teatro Nacional, tenían entradas en las que ambos volaron o tomaron el tren a París para discutir las dificultades con Brook, claramente envidiando la facilidad y la aparente comodidad de su arreglos profesionales y privados. la.

Leyendo un guión en el baño en 1949. Fotografía: Popperfoto/Getty Images

Algunos otros directores británicos, en conversaciones privadas, sintieron que Brook había fallado en su deber con las artes en el Reino Unido. Brook quedó atónito por esta crítica, creyendo que había dejado las direcciones artísticas británicas a personas mucho mejor preparadas para hacerlo. Otra crítica fue que los tranquilos períodos de ensayo y las recepciones mesiánicas disponibles en Francia a veces empujaron su trabajo hacia la pretensión y la autoindulgencia. Había dos lados en la personalidad creativa de Brook: shakespeariano y chamánico, y los escépticos tendían a favorecer al primero sobre el segundo.

Los trabajos finales de Brook continuaron reflejando esta dicotomía. Su libro The Quality of Mercy: Reflections on Shakespeare (2013) fue una brillante compresión de las ideas teatrales intelectuales y prácticas de toda una vida sobre el mejor dramaturgo de Inglaterra. Su tema y tono a veces sugerían un volumen de despedida, pero Brook encontró el tiempo y la energía para ampliar la estantería con un trabajo sobre el poder de las palabras, Tip of the Tongue (2017), y otro sobre los usos de la música, Playing by Ear. (2019).

Sin embargo, sus últimas producciones teatrales en su país de origen, ambas codirigidas con Marie-Hélène Estienne, la principal colaboradora de sus últimos años, sugirieron que el teatro no shakespeariano de Brook ahora era mejor en teoría que en la práctica. The Prisoner, que visitó conmovedoramente el National solo una semana después del funeral de Peter Hall, fue una meditación sobre el crimen y el castigo que contenía algunas ideas e imágenes convincentes. Pero, de manera reveladora, una escena que presentaba un fuego real pero una rata imaginaria insinuaba que la imaginación de Brook como director chocaba ahora con reglas de seguridad teatrales más estrictas. De manera similar, en el trabajo anterior de Estienne, The Valley of Astonishment, una obra sobre la sinestesia vista en el Young Vic en 2014, se describía un momento clave, en lugar de mostrarlo, porque no era jugable. Debe haber sido frustrante para Brook, pero también para la audiencia.

Su siguiente obra, ¿Por qué?, fue atípicamente retrospectiva e introspectiva, con tres actores favoritos que exploran la vida y las ideas del innovador teatral ruso, Vsevolod Meyerhold, quien influyó mucho en Brook. Desde París, realizó una gira por Europa y Estados Unidos. Para lanzar Playing by Ear, Brook, a fines de octubre de 2019, desafió la vista defectuosa y la fragilidad física para cautivar a una audiencia en el Teatro Nacional con 45 minutos de reflexiones inteligentes pero divertidas sobre las artes escénicas. Se hizo un silencio de desaprobación cuando Brook describió el momento abrasador de las mariposas en su programa estadounidense, hasta que el director reveló que los espectadores habían sido engañados: el insecto en llamas había sido hecho de papel, reemplazado por un juego de manos, pase de último minuto para un verdadero criatura que no ha sido dañada. Al mes siguiente, Brook recibió un premio a la trayectoria en los premios Evening Standard Theatre de Londres pero, hospitalizado en París después de una caída, no pudo viajar, y su hija Irina recibió el trofeo y una agradecida ovación en su nombre.

Las historias del teatro británico del siglo XX contendrán muchas referencias a los dos Peters. El inmenso logro de Hall fue crear las catedrales culturales de Stratford y Londres, y hacer impensable la cultura británica sin ellas. Brook, sin embargo, ha influido más en el imaginario de los directores que trabajan en el interior de estos edificios y, siguiendo otro de sus ejemplos, cada vez más en el exterior.